Σίρλεϋ Κλαρκ (1919-1997) Shirley Clarke

Γεννήθηκε η Shirley Brimberg στη Νέα Υόρκη, ήταν η κόρη ενός Πολωνού-μετανάστη πατέρα που έκανε την περιουσία του στη μεταποίηση. Η μητέρα της ήταν η κόρη ενός πολυεκατομμυριούχου Εβραίου κατασκευαστή και εφευρέτη. Η μεγαλύτερη από τις τρεις κόρες, η αδερφή της ήταν η συγγραφέας Elaine Dundy . Το ενδιαφέρον της για χορό ξεκίνησε σε νεαρή ηλικία, αλλά συνάντησε την αποδοκιμασία του πατέρα της, ενός βίαιου εκφοβισμού.
Ο Κλαρκ παρακολούθησε το Stephens College , το Πανεπιστήμιο Johns Hopkins , το Bennington College και το University of North Carolina . Ως αποτέλεσμα των μαθημάτων χορού σε κάθε ένα από αυτά τα σχολεία, εκπαιδεύτηκε με την τεχνική Martha Graham , την τεχνική Humphrey-Weidman και τη μέθοδο του σύγχρονου χορού Hanya Holm . Παντρεύτηκε τον Bert Clarke για να ξεφύγει από τον έλεγχο του πατέρα της, ώστε να μπορεί να σπουδάσει χορό υπό τους δασκάλους της Νέας Υόρκης. Η κόρη τους Wendy γεννήθηκε το 1944. Ο γάμος της με τον Bert τελείωσε με διαζύγιο το 1963. Ξεκίνησε την καριέρα της ως χορεύτρια στο avant garde μοντέρνο χορευτικό κίνημα της Νέας Υόρκης. Ήταν άπληστη συμμετέχουσα σε μαθήματα χορού και παραστάσεις στην εβραϊκή ένωση νεαρών γυναικών .
Το 1972, ο Κλαρκ υπέγραψε μια εκστρατεία του περιοδικού της κας , «Έχουμε Αμβλώσεις», η οποία ζήτησε τον τερματισμό των «αρχαϊκών νόμων» που περιορίζουν την αναπαραγωγική ελευθερία. οι συμμετέχοντες ενθάρρυναν τις γυναίκες να μοιραστούν τις ιστορίες τους και να αναλάβουν δράση.

Στην πρώτη της ταινία, Dance in the Sun (1953), υιοθέτησε μια χορογραφία του Ντάνιελ Ναγκρίν . Η Εταιρεία Κινηματογράφου Χορού της Νέας Υόρκης την επέλεξε ως την καλύτερη ταινία χορού της χρονιάς. Στο Dance in the Sun (1953), ο Clarke έκανε χρήση ρυθμικών πυροβολισμών, γυρίζοντας έναν χορό στη σκηνή και έπειτα κόβοντας από τη σκηνή στην παραλία και μπρος-πίσω όλη την ταινία. Ξεπέρασε από το να είναι χορεύτρια, να γίνει σκηνοθέτης και να εκφράσει την τέχνη της μέσω ενός νέου μέσου.
Ο Κλαρκ σπούδασε σκηνοθεσία με τον Χανς Ρίχτερ στο City College της Νέας Υόρκης μετά την παραγωγή του στο Paris Parks (1954). Το 1955, έγινε μέλος των ανεξάρτητων κινηματογραφιστών της Αμερικής και ήταν μέρος ενός κύκλου ανεξάρτητων κινηματογραφιστών στο Greenwich Village όπως οι Maya Deren , Stan Brakhage , Jonas Mekas και Lionel Rogosin .
Στο A Moment in Love , η Clarke χρησιμοποίησε αφηρημένη γραμμή και χρώμα για να τραβήξει καθαρό χορό. Η ταινία του Clarke, Bridges Go-Round (1959) είναι ένα σημαντικό παράδειγμα αφηρημένου εξπρεσιονισμού στην ταινία, με δύο εναλλακτικά soundtrack, ένα με ηλεκτρονική μουσική των Louis και Bebe Barron και το άλλο είναι τζαζ προσανατολισμένο και δημιουργήθηκε από τον Teo Macero . Χρησιμοποίησε την κάμερα για να δημιουργήσει μια αίσθηση κίνησης, ενώ γυρίστηκε άψυχες δομές.
Έλαβε ένα Όσκαρ υποψηφιότητα για Skyscraper (1959) με δύο άλλους σκηνοθέτες ντοκιμαντέρ. Κυρίως γυρίστηκε το 1958, η ταινία μικρού μήκους καταγράφει την κατασκευή της 666 Fifth Avenue που ξεκίνησε το 1957. Η ταινία των 20 λεπτών περιλαμβάνει φωτογραφίες του Roxy Theatre που κατεδαφίστηκε το έτος κυκλοφορίας του Skyscraper . Το 1959, κέρδισε το βραβείο Golden Gate στο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου του Σαν Φρανσίσκο .
Ένα Scary Time (1960), που δείχνει τη φτώχεια και τις ασθένειες των παιδιών στα έθνη του Τρίτου Κόσμου, δημιουργήθηκε από τη UNICEF σε συνεννόηση με τον Thorold Dickinson . Περιλαμβάνει μουσική του Peggy Glanville-Hicks .

Η Clarke περιέγραψε τον αντίκτυπο που είχε η εμπειρία της ως γυναίκα στη σκηνοθεσία της:

Υπάρχουν πολλοί λόγοι για τους οποίους κατάφερα καθόλου. Ένα, είχα αρκετά χρήματα που δεν χρειάστηκε να γίνω γραμματέας για να επιβιώσω. Και δεύτερον, έχω αναπτύξει αυτήν την προσωπικότητα, με αυτόν τον τρόπο ... Τυχαία επέλεξα ένα πεδίο όπου πρέπει να είμαι εκεί έξω, για να συνδεθώ συνεχώς, για να είμαι υπεύθυνος για τεράστια χρηματικά ποσά, εξοπλισμό και ανθρώπους. Και αυτός δεν είναι ιδιαίτερα ο ρόλος της γυναίκας στην κοινωνία μας ... Ταυτίστηκα με τους μαύρους, επειδή δεν μπορούσα να ασχοληθώ με το ζήτημα της γυναίκας και το μετέφερα. Θα μπορούσα να καταλάβω πολύ εύκολα τα μαύρα προβλήματα και τα κατάφερα με τον τρόπο που ένιωσα. Όταν έκανα τη σύνδεση, που αφορούσε τους παλιοπράκτες, δεν ήξερα τίποτα για τα σκουπίδια και δεν με νοιαζόταν λιγότερο. Ήταν ένα σύμβολο - άνθρωποι που είναι έξω. Πάντα ένιωθα μόνος και έξω από τον πολιτισμό στον οποίο ήμουν. Μεγάλωσα σε μια εποχή που οι γυναίκες δεν έτρεχαν πράγματα. Δεν είναι ακόμα. 

Το 1962, περιέγραψε τους στόχους της: «Ξεσηκώνω εναντίον των συμβάσεων των ταινιών. Ποιος λέει ότι μια ταινία πρέπει να κοστίσει ένα εκατομμύριο δολάρια και να είναι αρκετά ασφαλής και αβλαβής για να ικανοποιήσει κάθε 12χρονο στην Αμερική;»

Η πρώτη της μεγάλου μήκους ταινία The Connection (1961), από το έργο του Jack Gelber , αφορά μουσικούς τζαζ εθισμένους σε ηρωίνη, ήταν μέρος της εμφάνισης ενός ανεξάρτητου κινήματος μεγάλου μήκους ταινίας της Νέας Υόρκης. Η ταινία ανακοίνωσε ένα νέο στυλ που ασχολείται με σχετικά κοινωνικά ζητήματα σε ασπρόμαυρες ταινίες χαμηλού προϋπολογισμού. Ο Κλαρκ σκόπευε να χρησιμοποιηθεί η ταινία ως δοκιμαστική υπόθεση σε μια επιτυχημένη μάχη για την κατάργηση των κανόνων λογοκρισίας της Πολιτείας της Νέας Υόρκης . Χρησίμευσε επίσης ως σχόλιο για τις αποτυχίες του κινηματογράφου verité . Σκοπεύει να φαίνεται να τεκμηριώνει τις αυθόρμητες αλληλεπιδράσεις ενός σύγχρονου, συγκεκριμένου τρόπου ζωής (Βοημίας Νέα Υόρκη στις αρχές της δεκαετίας του 1960).
Το Connection δημιούργησε αντιπαραθέσεις και συζητήσεις στο κέντρο της πόλης της Νέας Υόρκης. Το πρωτότυπο έργο του Jack Gelber είχε καταδικαστεί από επικριτικούς επικριτές κατά τη διάρκεια των παραστάσεων του εκτός Broadway, αλλά είχε προσελκύσει ακόμη ένα κοινό που περιελάμβανε τους " Leonard Bernstein , Anita Loos , Salvador Dalí και Lillian Hellman , οι οποίοι το έμοιαζαν με" μια ωραία στιγμή στο τσίρκο'".
Ο Κλαρκ ήταν αποφασισμένος να κινηματογραφήσει το έργο και μόλις ολοκληρώθηκε, έλαβε ευνοϊκές κριτικές. Προβλήθηκε από τον διαγωνισμό στο Φεστιβάλ των Καννών το 1961, όπου και πάλι έγινε δεκτό. Οι διασημότητες της αμερικανικής γενιάς Beat που βρίσκονταν στην Ευρώπη τότε ταξίδεψαν στις Κάννες για να δείξουν υποστήριξη για την ταινία του Clarke. Ακολούθως απαγορεύτηκαν μετά από καταγγελίες που αφορούσαν ασεβείς, με βάση μια βολή που περιελάμβανε ένα πορνογραφικό περιοδικό και μια λέξη που θεωρείται άσεμνη. Εκείνη την εποχή, η Πολιτεία της Νέας Υόρκης επέτρεπε τη δημόσια προβολή ταινιών μόνο εάν είχαν λάβει άδεια από το συμβούλιο λογοκριτών του κράτους. Έγινε μια άλλη προσπάθεια δημόσιας προβολής της ταινίας ένα χρόνο αργότερα, μόνο για παρέμβαση της αστυνομίας, καθώς οι κινηματογραφιστές δεν είχαν ακόμη άδεια από το συμβούλιο λογοκριτών του κράτους. Μετά από αυτά τα περιστατικά, οι κριτικές κριτικές για το The Connection έγιναν κατά κύριο λόγο αρνητικές. Η κατάσταση κατέστησε δύσκολη για την Clarke να οργανώσει χρηματοδότηση και διανομή για τα κινηματογραφικά της έργα.
Κατά τη μαγνητοσκόπηση του The Connection , ερωτεύτηκε τον ηθοποιό Carl Lee . Μετά το διαζύγιό της για τον Bert Clarke, ξεκίνησε μια σχέση με τον Lee που κράτησε μέχρι το θάνατό του το 1986 από το AIDS , την οποία είχε συνάψει από τη χρήση μιας βρώμικης υποδερμικής βελόνας.

Το 1961, η Κλαρκ υπέγραψε το μανιφέστο «Δήλωση για έναν νέο αμερικανικό κινηματογράφο » και το 1962 συν-ίδρυσε τον συνεταιρισμό ταινιών-δημιουργών στη Νέα Υόρκη με τον Jonas Mekas .
Robert Frost: A Lover's Quarrel With the World (1963), σε σκηνοθεσία Clarke και πρωταγωνιστής του ποιητή Robert Frost , κέρδισε το Όσκαρ για το ντοκιμαντέρ .
Βασισμένο σε ένα μυθιστόρημα του Warren Miller , το χαρακτηριστικό του Clarke, The Cool World (1964), ακολούθησε τη ζωή ενός νεαρού άνδρα που ανέβηκε ως ηγέτης μιας νεανικής συμμορίας. Η πρώτη ταινία που δραματοποίησε μια ιστορία για συμμορίες μαύρων δρόμων χωρίς να βασίζεται στην ηθικοποίηση σε στιλ Χόλιγουντ, γυρίστηκε σε τοποθεσία στο Χάρλεμ και παράχθηκε από τον Φρέντερικ Βίσμαν . Το Cool World ήταν η πρώτη ανεξάρτητη ταινία που προβλήθηκε στο Φεστιβάλ Βενετίας.
Ο Κλαρκ σκηνοθέτησε μια συνέντευξη μεγάλου μήκους με μια γκέι μαύρη ανδρική πόρνη, Πορτρέτο του Τζέισον (1967), η οποία επιλέχθηκε για το Φεστιβάλ Κινηματογράφου της Νέας Υόρκης . Επεξεργάστηκε από 12 ώρες βίντεο από τη συνέντευξη. Η ταινία περιγράφηκε από τη Lauren Rabinovitz ως εξερεύνηση του χαρακτήρα ενός ατόμου, ενώ ταυτόχρονα εξετάζει το εύρος και τους περιορισμούς του στιλ κινηματογράφου-verité. Το πορτρέτο του Jason (1967) είχε μια μικτή απάντηση από Αμερικανούς κριτικούς. Με εξαίρεση τις μη βασικές δημοσιεύσεις, οι αναθεωρητές ήταν γενικά αρνητικοί με επίκεντρο την υποτιθέμενη "νοσηρή άποψη του Clarke και την έλλειψη στιλβωτικής παραγωγής". Πορτρέτο του Τζέισονείχε καλύτερη υποδοχή στην Ευρώπη. Η ταινία διανεμήθηκε από το Κέντρο διανομής ταινιών. Συνιδρυμένος από την Clarke το 1966, ο διανομέας έκλεισε το 1970 αφού αντιμετώπισε οικονομικές δυσκολίες.
Εργασίες βίντεο και άλλα έργαΣτη δεκαετία του 1970 και στις αρχές της δεκαετίας του 1980, η Clarke πειραματίστηκε με ζωντανή παράσταση βίντεο, επιστρέφοντας στις ρίζες της ως χορεύτρια. Δημιούργησε το Teepee Video Space Troupe στο ρετιρέ του Hotel Chelsea . Αυτή η ομάδα περιελάμβανε καλλιτέχνες βίντεο Andy Gurian, Bruce Ferguson, Stephanie Palewski, DeeDee Halleck, Vickie Polan, Shrider Bapat, κόρη του Clarke Wendy Clarke και πολλούς άλλους. Το Troupe ήταν επίσης πρώτοι πειραματιστές με μαγνητοσκοπημένη απόδοση βίντεο, εγκατάσταση και τεκμηρίωση.
Αφού εργάστηκε σε ταινίες βίντεο για αρκετά χρόνια στο Hotel Chelsea, ο Ρότζερ Κορμάν πλησίασε τον Κλαρκ για να δουλέψει στην επόμενη ταινία του Crazy Mama (1975). Αυτό πυροδότησε διαφωνίες σχετικά με τις δημιουργικές προσεγγίσεις. Ο Κλαρκ συνειδητοποίησε ότι ο Κορμάν περίμενε ένα πρωτότυπο χωρίς κινηματογραφική εμπειρία. Σε μια συνέντευξη του 1985, η Clarke δήλωσε ότι δεν πίστευε ότι θα συνέβαινε η κατάσταση αν ήταν άντρας σκηνοθέτης:Προφανώς δεν μπορούσε να μιλήσει με έναν καθιερωμένο σκηνοθέτη που είχε λάβει βραβεία και πράγματα. Δεν ήξερε ποιος ήμουν καθόλου. [...] Θα μιλούσε ποτέ με έναν άνδρα έτσι; Δεν με εμπιστεύτηκε, αυτό είναι σίγουρο. Υπάρχει βαθιά διάκριση εναντίον γυναικών καλλιτεχνών που εξακολουθεί να είναι πολύ ισχυρή. Ήμουν εκπρόσωπος του συμβολισμού. Στηρίχτηκα να γίνω γυναίκα σκηνοθέτης. Κανένα άτομο δεν μπορεί να φέρει αυτό το βάρος. Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι η καριέρα μου θα ήταν διαφορετική αν ήμουν άντρας, αλλά αν ήμουν άντρας θα ήμουν διαφορετικός άνθρωπος. [9]
Από καιρό σε καιρό, μέλη της πρωτοποριακής συλλογής βίντεο Videofreex ήταν μέρος του Troupe: David Cort, Parry Teasdale, Chuck Kennedy, Skip Blumberg, Bart Freidman και Nancy Cain. Το συγκρότημα δούλευε μέσα και γύρω από το Hotel Chelsea στο West 23rd St στη Νέα Υόρκη, δημιουργώντας πολλές κάμερες και οθόνες στην οροφή ή στο κλιμακοστάσιο. Οι συμμετέχοντες της Chelsea ήταν οι Viva , Arthur C. Clarke και Agnès Varda . Το συγκρότημα πήγε σε περιοδεία σε κολέγια και κέντρα πολυμέσων, συμπεριλαμβανομένου του κολλεγίου Bucknell στην Πενσυλβάνια, όπου συνεργάστηκαν με φοιτητές δράματος και χορού σε μια τεράστια βραδινή παράσταση στο φοιτητικό κέντρο, και το SUNY Cortland , όπου δημιούργησαν μια τοιχογραφία βίντεο με φοιτητές τέχνης.
Η τελική ταινία της Clarke ήταν το Ornette: Made in America (1985), ένα προφίλ ντοκιμαντέρ του σαξόφωνου τζαζ και συνθέτη Ornette Coleman .

Εκτός από τη σκηνοθεσία των δικών της ταινιών, η Clarke έπαιξε έναν ανεξάρτητο σκηνοθέτη στην κωμωδία σινεμά vérité- style Lions Love (1969) του Agnès Varda . Ο Κλαρκ εμφανίζεται επίσης εν συντομία στο ντοκιμαντέρ He Stands in a Desert Counting the Seconds of His Life (1986) του Jonas Mekas. Τα πόδια της Κλαρκ εμφανίστηκαν στην ταινία του Τζον Λένον και του Γιόκο Όνο το 1971, Up Your Legs Forever . Η Κλαρκπήγαινε τακτικά, μιλώντας σε θέατρα και μουσεία. Κατά την περίοδο μεταξύ 1971 και 1974, ο Clarke ηγήθηκε σε αριθμό εργαστηρίων περιοδείας Teepee σε διάφορους χώρους και ιδρύματα όπως η Κουζίνα, το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης («Open Circuits»), το Antioch College, η Βαλτιμόρη, το Wesleyan College, το Πανεπιστήμιο Bucknell, Film Κέντρο μελέτης, Hampshire College και το Πανεπιστήμιο του Buffalo. Ο Κλαρκ έγινε καθηγητής στην UCLA το 1975, διδάσκοντας ταινίες και βίντεο μέχρι το 1983.  

Η Κλαρκ πέθανε από εγκεφαλικό επεισόδιο στη Βοστώνη της Μασαχουσέτης μετά από αγώνα με τη νόσο του Αλτσχάιμερ , λίγο πριν από τα 78α γενέθλιά της.
Το μόνο χαρακτηριστικό πλήρους μήκους για ευρεία κάλυψη πολυμέσων κατά τη διάρκεια της ζωής του Clarke ήταν το The Connection . Δεν ήταν η μόνη της ταινία που υπόκειται σε απαγορεύσεις από τους κρατικούς λογοκριστές της Νέας Υόρκης ή προκλήσεις διανομής που θέτει η έλλειψη υποδομής για ανεξάρτητους κινηματογραφιστές. Η φήμη της Κλάρκ εξασθενούσε για πολλά χρόνια, σε μια περίοδο που «περιθωριοποιήθηκε, γράφτηκε από ιστορίες και απολύθηκε ως ντελτάτε». Ωστόσο, υπήρξε ανανεωμένο ενδιαφέρον για τη δημιουργία ταινιών της. Το πρώτο βραβείο Shirley Clarke Avant-Garde Filmmaker απονεμήθηκε στην Barbara Hammer τον Οκτώβριο του 2006. Ο Thomas Cohen, σε ένα βιβλίο του 2012 που συζητούσε για την καριέρα της, περιέγραψε τα χαρακτηριστικά της ως "ταινίες που θεωρούνται ουσιαστικά έργα του New American Cinema".
Από το 2012 και μετά, η Milestone Films ανέλαβε το "Project Shirley", ένα σε βάθος, οκταετές έργο για την κυκλοφορία αποκατεστημένων εκδόσεων πολλών ταινιών του Clarke σε DVD και Blu-ray, πριν από περιορισμένες θεατρικές παραστάσεις.  Αυτό περικλείονται Ornette: Made in America (Τόμος 1, 11 Νοεμβρίου, 2014),  πορτραίτο Jason (τόμος 2, 11 Νοεμβρίου, 2014),  Η σύνδεση (Τόμος 3 , 24 Φεβρουαρίου 2015) [21] και The Magic Box: Οι ταινίες της Shirley Clarke. 1927-1986 (τόμος 4, 15 Νοεμβρίου 2016).

Φιλμογραφία

Πηγή: From Wikipedia, the free encyclopedia 

Πειραματικό πρίσμα στο περιθώριο από την Σίρλεϊ Κλαρκ

της Ιφιγένεια Καλατζή

Πολωνοεβραϊκής καταγωγής η Κλαρκ, μέλος του νεοϊορκέζικου καλλιτεχνικού κύκλου ανεξάρτητων σκηνοθετών, ξεκίνησε ως χορεύτρια και στράφηκε στο σινεμά, στα χνάρια της Μάγια Ντέρεν. Με πρωταρχική έμπνευση το μοντέρνο χορό, σκηνοθετεί τις πρώτες αβάν γκαρντ μικρού μήκους στις αρχές του ’50, αποδίδοντας τον αισθησιασμό της χορευτικής κίνησης με μια συνειρμική χρήση μοντάζ.
Στην εποχή της αμφισβήτησης, με το περιθώριο στο επίκεντρο της κινηματογραφική θεματικής, κόντρα στη λογοκρισία, απελευθερώνεται η κοινωνική διάσταση της τέχνης.
Μετά τον Άνθρωπο με το χρυσό χέρι (1955) του Ότο Πρέμινγκερ, η Σίρλεϊ Κλαρκ επανέφερε το θέμα-ταμπού των ναρκωτικών, κερδίζοντας διεθνή αναγνώριση. Στον Προμηθευτή (1961), μια παρέα περιθωριακών εξαρτημένων περιμένουν τον Αφροαμερικανό προμηθευτή σε ένα βρόμικο νεοϋορκέζικο διαμέρισμα, όπου τους κινηματογραφεί ένας φορτικός σκηνοθέτης. Το σύνδρομο του εθισμού και η παρουσία της κάμερας δημιουργούν ιλαροτραγικές καταστάσεις, με μουσικά διαλείμματα μπι-μποπ συνθέσεων, που παίζει ο ίδιος ο συνθέτης-πιανίστας Φρέντι Ρεντ και το κουαρτέτο τζάζ μουσικών που κατέφτασαν για να «φτιαχτούν», με τον Τζάκι ΜακΛιν στο άλτο σαξόφωνο. Βασισμένη στο ομώνυμο θεατρικό, η Κλαρκ δημιουργεί ταινία μέσα στην ταινία, με πρωτότυπη κινηματογράφηση, γεμάτη μακρόσυρτες υποκειμενικές λήψεις. Ο περιορισμένος χώρος του διαμερίσματος παραπέμπει στη στενότητα της θεατρικής σκηνής, ενώ οι ηθοποιοί παρουσιάζονται μετωπικά, κοιτώντας την κάμερα όπως θα κοίταγαν τον θεατή. Η ύπαρξη κάμερας είναι παραδόξως εμφανής, ενώ οι φωτισμοί δημιουργούν σκιάσεις εξπρεσιονιστικής έμπνευσης. Η ταινία ανοίγει και κλείνει με τους τζαζ αυτοσχεδιασμούς του εμβληματικού σαξοφωνίστα Τσάρλι Πάρκερ, από φορητό πικάπ. Η Κλαρκ ανιχνεύει τις ψυχικές μεταπτώσεις και την κατάρρευση των εθισμένων, με παράλληλη καταγραφή της αργκό, αναδεικνύοντας το περιθώριο και την υποκουλτούρα ως κομμάτι της κοινωνίας, άξιο να καταγραφεί. Αντίστοιχα, την ίδια εποχή, στα ίδια λημέρια, η αντικομφορμίστρια φωτογράφος Νταϊάν Άρμπους αιχμαλώτιζε επίσης μορφές του περιθωρίου στο φωτογραφικό κάδρο της, μετουσιώνοντας ψυχώσεις και ιδιορρυθμίες σε αντικείμενο τέχνης, αποκαλύπτοντας μια άλλη εικόνα της Αμερικής, δύσμορφη και ακατανόητη, που δεν χωράει στο στενό καλούπι ενός τετριμμένου καθωσπρεπισμού.
Στον απόηχο του Γουέστ Σάιντ Στόρι (1961), με τις συμμορίες νεαρών Πορτορικανών, η Σίρλεϊ Κλαρκ δίνει τη δική της εκδοχή στο The Cool World (1964), αποδίδοντας με νατουραλιστική τόλμη τα αδιέξοδα μιας παρέας ανήλικων, με ερασιτέχνες ηθοποιούς, γέννημα-θρέμμα του γκέτο στις φτωχογειτονιές του Χάρλεμ, μακριά από μια ακριβοπληρωμένη γυαλιστερή παραγωγή. Ο πρωταγωνιστής ανδρώνεται ανάμεσα σε νταβατζήδες και πρεζόνια, καταλήγοντας στην τοπική συμμορία. Λίγα μόλις χρόνια μετά την πρώτη ανεξάρτητη αμερικανική ταινία διαφυλετικής θεματικής Σκιές (1959), του Τζον Κασσαβέτη, η Κλαρκ καταγράφει αυθεντικές όψεις της μίζερης καθημερινότητας, σε ασπρόμαυρες αποχρώσεις, επηρεασμένη από το ευρωπαϊκό σινεμά-βεριτέ. Η επιλογή τζαζ υπόκρουσης του πιανίστα Μαλ Γουάλντρον, παιγμένη απ’ το κουιντέτο του Ντίζι Γκιλέσπι, δίνει αυθεντικότερο στίγμα, συγκριτικά με τους φτιασιδωμένους τζαζ ήχους στη συμφωνική ορχήστρα του Λέοναρντ Μπερνστάιν, για το Γουέστ Σάιντ Στόρι.
Το Πορτρέτο του Τζέισον (1967) μαρτυράει την καταλυτική δύναμη της παρουσίας μιας κάμερας, μπροστά από ένα πρόσωπο. Περιθωριακός μαύρος και ομοφυλόφιλος ζιγκολό, βουτηγμένος στην πιο εκκωφαντική εκκεντρικότητα, ο Τζέισον γίνεται το αντικείμενο παρατήρησης της Κλαρκ, που καταγράφει σε σταθερά πλάνα το παραληρηματικό πορτρέτο του, μέσα από την αφήγηση ασυνήθιστων σκωπτικών επεισοδίων, πνιγμένων σε υστερικό γέλιο. Σε μια εξομολογητική παρόρμηση, ο ασυγκράτητος Τζέισον εγκαταλείπει το κωμικό του προσωπείο, αποκαλύπτοντας το τραύμα βάναυσων συμπεριφορών και διακρίσεων που έχει υποστεί. Στην γέννηση του κουίρ (queer) ρεύματος, αποτυπώνεται μια ευρύτερη αποδοχή της διαφορετικότητας, πέρα απ’ τον κλειστό καλλιτεχνικό περίγυρο.
Στο τελευταίο της κινηματογραφικό πόνημα Όρνετ Κόλμαν: Made in America (1985), συνταιριάζεται άψογα η φιλοσοφία φρι τζαζ του σαξοφωνίστα Όρνετ Κόλμαν (1930-2015), με την ανορθόδοξη κινηματογραφική προσέγγιση της Κλαρκ, σε ένα εξαιρετικό ντοκιμαντέρ-πορτραίτο, μεταξύ πειραματικού σινεμά και βίντεοαρτ. Με αφετηρία τη συναυλία στη γενέτειρά του, το 1984, η Κλαρκ παρουσιάζει υλικό από μια περίοδο 20 χρόνων δουλειάς του σαξοφωνίστα. Η «φευγάτη» αίσθηση της φρι τζαζ αποδίδεται με ένα ψυχεδελικό αποτέλεσμα ψηφιοποιημένων οπτικών και ηχητικών εφέ. Το κοφτό, γρήγορο μοντάζ συγχρονίζεται με τη μουσική και μεταφέρει οπτικά τον ηχητικό ρυθμό των ατονικών αυτοσχεδιασμών του Κόλμαν, μαζί με τον γιο του στα ντραμς, τον μπασίστα Τσάρλι Χέιντεν και τον τρομπετίστα Ντον Τσέρι. Δραματοποιημένα στιγμιότυπα του παρελθόντος εντάσσονται σε ελεύθερη βιογραφική αφήγηση. Παρελθόν και παρόν συγχέονται, με τον μουσικό σε διαφορετικές ηλικίες να μιλάει για τη δημιουργική επινόηση της μουσικής του, ενώ παρεμβάλλονται πλάνα φυτών ή αρχιτεκτονικών λεπτομερειών μοντέρνων κτιρίων, θυμίζοντας το νεωτεριστικό μοντάζ της Κλαρκ, στα πρώτα μικρού μήκους της (Ουρανοξύστης /1959, Γέφυρες /1958). Ο Γουίλιαμ Μπάροουζ, μάλιστα, σε μια τηλεοπτική εμφάνιση, χαρακτηρίζει τον Κόλμαν ως «τον θεό των μελλοντικών ταξιδιών του διαστήματος».

* Η Ιφιγένεια Καλαντζή είναι θεωρητικός-κριτικός κινηματογράφου

Πηγή: Πειραματικό πρίσμα στο περιθώριο από την Σίρλεϊ Κλαρκ | Δρόμος της Αριστεράς (edromos.gr) 

Shirley Clarke behind the camera directing The Connection